Claude Monetin omakuva: valon maalarin harvinaiset kasvot

Historiallinen konteksti

Taiteilija, joka piiloutuu: Monetin poissaolo omana aiheenaan

On kiehtovaa huomata, että mies, joka mullisti tapamme nähdä valo, halusi niin vähän tallentaa omaa kuvaansa kankaalle. Toisin kuin hänen aikalaisensa, jotka käyttivät peiliä intiiminä laboratoriona, Monet piti omaa kasvoaan todennäköisesti liian staattisena aiheena, joka ei kyennyt välittämään päivän loputtomia vaihteluita. Tämä tietoinen poissaolo luo eräänlaisen elämäkerrallisen mysteerin, jossa taiteilija muuttuu haamuksi omassa teoksessaan, läsnä ainoastaan allekirjoituksena Normandian rannikon myrskyisien maisemien tai Givernyn tulvittamien puutarhojen äärellä. Se on ennen aikaansa koettua nykyaikaisuutta, jossa taiteilija väistyy puhtaan vaikutelman tieltä kieltäytymästä tekemästä omasta persoonastaan taiteensa painopistettä.

Tämä vetäytyminen ei kuitenkaan tarkoita kiinnostuksen puutetta identiteettiä kohtaan, vaan pikemminkin katseen siirtymistä ulospäin. Kun tarkastelee niitä harvoja kertoja, jolloin hän suostui maalaamaan itsensä, löytää miehen, joka vaikuttaa melkein yllättyneeltä ollessaan siinä, ikään kuin hänet olisi temmattu pilven tarkkailusta hetkeksi jähmettymään peilin eteen. Tämä pidättyvyys on jyrkässä ristiriidassa hänen siveltimensä rohkeuden kanssa, kun on kyse poppelien värähtelyn tai Thamesin usvan tallentamisesta. Keräilijälle, joka hakee seinälleen tämän aikakauden reproduktiota, on olennaista suosia öljymaalausta kankaalle, joka vangitsee tämän jännitteen mestarin tavallisen ilmavan hälveyden ja kasvonpiirteiden äkillisen tarkkuuden välillä.

Taiteellinen tyyli

Nuoruuskauden karikatyyrit (1855–1858): teini-ikäinen ja hurja Monet

Kauan ennen kuin hänestä tuli impressionismin partainen patriarkka, nuori Oscar-Claude Monet oli pelätty ja ihailtu karikatyyripiirtäjä Le Havren kaduilla. Vuosina 1855–1858, alle kaksikymmentävuotiaana, hän maalasi öljyvärein hämmentävän taiturimaisia muotokuvia, joissa hän piirti paikallisia porvareita ja jopa keisari Napoleon III:tä iloisen raivokkaasti. Nämä teokset, joita nykyään säilytetään huolellisesti Musée Marmottan Monetissa, paljastavat terävän mielen ja sellaisen anatomisen piirustuksen hallinnan, jota kypsältä maisemamaalarilta harvoin osattaisiin odottaa. Niissä näkyy teini-ikäinen, joka tarkastelee inhimillisiä erheitä yhtä terävästi kuin myöhemmin veden heijastuksia, todistaen että hänen lahjansa ei syntynyt tyhjästä vaan vankalle akateemiselle perustalle.

Nämä ensimmäiset työt osoittavat taiteilijan, joka osaa jo leikitellä muodoilla ja ilmeillä, käyttäen maalipintaa korostaakseen malliensa naurettavuutta tai suuruutta. Paletti on usein tumma, ohuina lasituksina työstetty, kaukana kypsän kauden väri­räjähdyksistä, mutta siveltimenjälki pysyy elävänä ja varmana. Ken tahansa, joka haluaa ymmärtää maalarin kehitystä, hyötyy näiden karikatyyrien tutkimisesta: ne kertovat kaudesta, jolloin Monet etsi vielä suuntaansa pilapiirroksen ja suuren maalaustaiteen välillä. Näiden nuoruudentöiden uskollinen Alpha Reproduction vaatii huolellista työpajatyötä, sillä hienovaraisia viivoja ja katseen ironiaa ei voi toistaa yksinkertaisella digitaalisella tulosteella, joka tasoittaisi vääristyneiden kasvojen varjojen hienouden.

Arvoituksellinen omakuva viitassa (1886): aito Monet vai väärennös?

Musée Marmottan Monetin kokoelmissa on erityisen häiritsevä teos, joka on päivätty vuodelle 1886 ja tunnetaan nimellä Autoportrait à la cape ja jonka attribuutiosta keskustellaan yhä oppineimpien asiantuntijoiden keskuudessa. Tässä taulussa on tummaan viittaan pukeutunut ja hattuun sonnustautunut mies, jonka katse pakenee sivulle, tyyliltään keinahdellen Monetin tyylin ja hänen aikalaisten jäljittelijöidensä välillä. Jotkut taidehistorioitsijat osoittavat epäröintejä siveltimenkäsittelyssä ja värivalintoja, jotka eivät aivan vastaa sitä kautta, jolloin maalari työskenteli jo poppelisarojensa ja katedraalisarjojensa parissa. Tämä epävarmuus lisää yhden lisäkerroksen mysteeriä taiteilijan muutenkin niukkaan henkilökuvaan ja muuttaa kankaan dekkaristiseksi arvoitukseksi taidehistorian ytimeen.

Jos hyväksytään hypoteesi, että kyseessä todella on hänen käsialaansa, tämä muotokuva merkitsee siirtymä­hetkeä, jolloin Monet kenties kokeilee paluuta jäsentyneempään kuvastoon ennen kuin sukeltaa lopullisesti muotojen liukenemiseen. Maalin pinta, joka näkyy ainoastaan taidokkaan öljymaalauksen kopion kautta, jossa harmaat ja mustat saavat vivahteikkuutta, paljastaa paksuja siveltimenjälkiä, joilla pyritään vangitsemaan valo raskaan viitan kankaalle. Jos taas kyseessä on väärennös, se kertoo mestarin spontaanisuuden jäljittelyn vaikeudesta, sillä jopa parhaat väärentäjät tuskin kykenevät toistamaan monétismin siveltimen­käsittelyn ominaista värähtelyä. Tämä on oppikirja­esimerkki siitä, ettei aitous piile ainoastaan samankaltaisuudessa, vaan maalauksellisen eleen dynamiikassa.

Nadarin muotokuva (1899): valokuva, joka pysäytti kaiken

Vaikka Monet maalasi kasvojaan vain vähän, hän suostui antamaan Félix Nadarin armottoman kameran vangita ne ikimuistoisessa sessiossa vuonna 1899 Pariisissa Avenue de Clichyllä sijainneessa studiossa. Viisikymmentäyhdeksän­vuotiaana maalarilla oli harmaantuva alkava parta ja harvinaisen intensiivinen katse, joka kiinnittyi objektiiviin levollisen itsevarmasti, ristiriidassa hänen maalaustensa kuohunnan kanssa. Tämä otos on noussut taiteilijan kanoniseksi kuvaksi, joka koristaa koulujen oppikirjoja ja postimerkkejä, jähmettäen jälkipolville arkityypin impressionistisen nerouden huipulla olevasta mestarista. Valokuva, hetkellisyyden taiteenlaji, onnistuu siinä, missä Monetin maalaus tahallaan epäonnistuu: se pysäyttää ajan ja kiteyttää sosiaalisen identiteetin, jota maalari itse kieltäytyi rakentamasta kankaalle.

Tämän muotokuvan voima piilee Nadarille tyypillisessä luonnonvalon hallinnassa, joka muotoilee kasvojen piirteitä ilman liiallista kovuutta, paljastaen ihon tekstuurin ja katseen syvyyden. Silti tämä kuva on edelleen tasainen pinta, vailla sitä orgaanista ainesta, joka luonnehtii maalarin työtä. Kun valitaan taiteellinen Alpha Reproduction tältä kaudelta, on turha yrittää kopioida valokuvaa; parempi on ammentaa kohteen asenteesta ja luoda öljy­maalaus, jossa parta ja kaulus syntyvät näkyvistä siveltimen­vedoista. Juuri tässä valokuvan kääntämisessä maalaukseksi piilee taiteellinen haaste, joka muuttaa historiallisen dokumentin eläväksi teokseksi, jolla on oma paksuutensa ja oma rakeisuutensa.

Manet, Renoir, Blanche: ystävien maalaama Monet

Koska hän kieltäytyi maalaamasta itseään, Monet jätti taistelutovereilleen tehtäväksi tallentaa kuvansa, ja näin syntyi galleria monenlaisia muotokuvia, jotka kertovat hänen eri puolistaan vuosikymmenten varrella. Édouard Manet kuvasi hänet vuonna 1874 selästä hänen veneestään toimivassa ateljeessaan, työhönsä uppoutuneena, tehden hänestä ei turhamaisuuden kohteen vaan valon työläisen, joka keskittyy tehtäväänsä. Myöhemmin Pierre-Auguste Renoir ikuisti hänet Givernyssä 1890-luvulla impressionistisen pehmeyden sävyttämänä, kun taas Jacques-Émile Blanche yritti 1920-luvulla keskeneräistä muotokuvaa, joka vangitsee vanhan miehen mietiskelevässä melankoliassa. Nämä ulkoapäin annetut näkemykset ovat arvokkaita, sillä ne osoittavat, miten hänen aikalaisensa näkivät tämän monisyisen miehen, joka oli vuoroton ankara johtaja, vuoroton uskollinen ystävä, ajatuksiinsa vaipuneena.

Nämä maalaukset tarjoavat sellaista tyylien ja lähestymistapojen moninaisuutta, jota ei koskaan löytäisi yksitoikkoisesta omakuva-sarjasta. Manet korostaa hahmoa ja ammatillista kontekstia, Renoir inhimillistä lämpöä ja väriä, Blanche ikääntyvän taiteilijan psykologiaa. Taiteen ystävälle, joka haluaa sisustaa kotinsa viittauksella näihin kuuluisiin ystävyyksiin, käsin maalattu reprodusointi antaa mahdollisuuden valita, mitä Monetin puolta haluaa tuoda esiin. Renoirin värien rikkaus tai Manetin iskevä kontrasti vaativat öljykerrosten päällekkäistyötä, jota vain käsityönä toteutettu versio voi tarjota, palauttaen näille toveruuden kohtauksille sen elinvoiman, jonka teollinen painos olisi peruuttamattomasti latistanut ja yhdenmukaistanut.

Vuoden 1917 omakuva: taiteilija sumeakatseinen

Elämänsä loppupuolella, kun kaihi alkoi hämärtää hänen näköään ja muuttaa hänen värien havainnointiaan, Monet maalasi noin vuonna 1917 yhden viimeisimmistä tunnetuista omakuvistaan, koskettavan teoksen, jota säilytetään yksityiskokoelmassa. Seitsemänkymmentäseitsemän vuoden iässä taiteilija esittää itsensä tuuhean valkoisen parran ja katseen kera, joka näyttää lävistävän peilin saavuttaakseen jotain näkymätöntä, ikään kuin hän maalaisi jo sitä, mitä hän pian menettäisi. Tämä maalaus on traaginen todistus taiteilijasta, joka taistelee silmiensä vähittäistä samentumista vastaan, käyttäen maalausta ei enää pelkästään maailman esittämiseen vaan oman olemassaolonsa puolustamiseen sairautta vastaan. Sävyt ovat siinä toisinaan tummempia, siveltimenjälki katkonaisempaa, mikä kuvastaa yhä kasvavaa vaikeutta erottaa niitä hienovaraisia vivahteita, joista hänen taiteensa loisti.

Tässä myöhäisessä teoksessa on harvinaista emotionaalista intensiteettiä, sillä se osoittaa miehen, joka on tietoinen fyysisestä hauraudestaan mutta jota yhä elähdyttää teräksenluja tahto. Jotta tämä omakuva voitaisiin toisintaa uskollisesti, materiaalia on välttämätöntä käsitellä suurella herkkyydellä, vaihdellen maalin paksuutta näön häiriön suggeroimiseksi lankeamatta tahattomaan epäterävyyteen. Kopioivan maalarin on osoitettava tässä empatiaa, ymmärtäen, että jokainen siveltimenveto on vastarinnan teko sokeutta vastaan. Yksinkertainen paperille painettu jäljennös ei voisi koskaan välittää tätä sisäistä taistelua; ainoastaan öljy kankaalla, kyvyllään säilyttää eleen fyysinen jälki, voi kunnioittaa tätä viimeistä katsetta, jonka mestari loi itseensä ennen kuin kääntyi lopullisesti monumentaalisten lumpeenkukkiensa puoleen.

Omien muotokuvien tuhoaminen: vanhan miehen ele

Elämänsä viimeisinä vuosina 1920-luvulla Monet ryhtyi radikaaliin kuvansa puhdistamiseen tuhoamalla järjestelmällisesti lukuisia valokuvia, luonnoksia ja muotokuvia, joissa hän esiintyi. Tämä tuhoamisen ele ei ollut ohimenevä mielenhäiriö, vaan tietoinen tahto hallita jälkimainettaan ja kääntää huomio pois henkilöstään kohti hänen lopullista mestariteostaan, Nymfien lahjoitusta Ranskan valtiolle. Pyyhkäisemällä pois jälkensä omista kasvoistaan hän toivoi, että yleisö muistaisi vain hänen maisemiensa valon, värin ja puhtaan tunteen, vapauttaen siten taiteen anekdoottisesta elämäkerrasta. Se on ylivoimaista nöyryyttä – tai ehkä ehdotonta ylpeyttä – päättää, että vain työllä on merkitystä, ei sen tekijällä.

Tämä vapaaehtoinen vetäytyminen henkilökohtaisesta kuvastosta vahvistaa entisestään miestä ympäröivää mysteeriä ja antaa korvaamattoman arvon niille harvoille kuville, jotka välttivät tämän kuvainväistäjän polttorovion. Sisustajalle tai taiteen ystävälle tämä tarkoittaa, että jokainen Monetin muotokuvan lisäkopio muuttuu harvinaiseksi esineeksi, joka on ladattu tämän häivyttämisen tahdon historialla. Valita tällaisen kuvan ripustaminen moderniin olohuoneeseen tarkoittaa katsojan altistamista tälle paradoksille: nähdä kasvot miehestä, joka teki kaikkensa, jotta häntä ei katsottaisi. Lisäkopion laadun on siksi oltava moitteeton, värintoiston ja kankaan tekstuurin tarkkuuden on kunnioitettava tätä aikomusta jättää kestävä jälki taiteilijan katoamisen tahdosta huolimatta.

Sisustus

Kuvallinen identiteetti maisemamaalarina: mitä omakuvan puuttuminen kertoo

Lopulta Claude Monetin kuvallinen identiteetti on luettavissa myös siitä, mitä hän ei juuri koskaan maalannut: itseään. Tämä harvinaisuus antaa omakuville, valokuvamuotokuville ja ystävien maalaamille muotokuville erityisen arvon, sillä ne näyttävät valon takana olevan ihmisen muuttamatta artikkelia pölyiseksi perhealbumiksi. Aiheena pysyy siis Monetin kasvot, mutta kasvot, joita tarkastellaan palasina: pureva pilakuva, virallinen valokuva, myöhäinen katse ja Manet'n tai Renoirin näkemät hahmot.

Jotta sisustus olisi johdonmukainen tämän aiheen kanssa, on parasta pysyä muotokuvien perheessä: Monetin omakuva, muotokuva baskerilla, Jean Monetin muotokuva tai öljymaalattujen muotokuvien kokoelma. Monetin maisemat ovat edelleen upeita, mutta tässä niiden ei pidä varastaa päähuomiota varsinaiselta teemalta. Käsin maalattu lisäkopio tuo juuri sitä aineellista läsnäoloa, katseen syvyyttä ja sitä pientä inhimillistä jännitettä, jonka litteä painatus muuttaa liian helposti pelkäksi seinäksi.

Omakuva

Omakuva - Claude Monet

Suoraan aiheeseen liittyvä reproduktio: Monet omien kasvojensa äärellä, öljymaalauksena.

Omakuva

Baretilla varustettu omakuva - Claude Monet

Toinen harvinainen kuva Monet'sta, hyödyllinen vertailtaessa asennetta, asua ja katseen voimaa.

Muotokuva

Jean Monet'n muotokuva - Claude Monet

Muotokuva, jonka on maalannut itse Monet ja joka liittyy kasvonpiirteiden ja perheen läheisyyden teemaan.