Kuuluisat taidesuuntaukset: tyylejä, katkoksia ja suuria ajatuksia, jotka muuttivat tapaa katsoa

Historiallinen konteksti

Taidesuuntaus ei ole etiketti: se on järjestäytynyt tappelu katseesta

Taidesuuntaus ei synny koskaan spontaanisti yksinäisessä ateljeessa; se on aina kollektiivinen vastaus esittämisen ongelmaan, joka kuohuttaa yhteisöä. Otetaan esimerkiksi Caravaggio 1600-luvun alun Roomassa: hänen väkivaltainen valöörikäsittelynsä ei ollut pelkkä muoti-ilmiö, vaan radikaali tapa tehdä pyhästä konkreettista, lähes brutaalia, upottamalla hahmot teatterimaiseen yöhön, jota raako valot lävistävät. Tämä lähestymistapa synnytti niin voimakkaan shokkiaallon, että taiteilijat ympäri Eurooppaa, karavadistit, omaksuivat välittömästi tämän varjon dramaturgian rikkoakseen High Renaissanceen vakiintuneita uskonnollisia konventioita.

Nämä ryhmittymät toimivat kuin klaanit, joissa jaetaan tapoja katsoa ennen kuin jaetaan tarkkoja tekniikoita. Kun italialaiset futuristit julkaisivat manifestinsa vuonna 1909, he eivät ehdottaneet ainoastaan uutta tyyliä, vaan julistivat sodan menneisyydelle vaatimalla, että maalaus tallentaisi autojen nopeuden ja modernin elämän väkivallan. Näin ollen liikkeen määrittely tarkoittaa sen ymmärtämistä, mitä yhteistä vihollista se vastaan taistelee, olipa kyseessä sitten pölyinen akateemisuus, syntyvä valokuvaus tai itse järki, mikä muuttaa taidehistorian esteettisten vallankumousten sarjaksi rauhallisen lineaarisen evoluution sijaan.

Taiteellinen tyyli

Akatemiat, salonit ja museot: tyylit syntyvät myös saleissa, joissa tuomitaan armottomasti

Tyylien syntyä on mahdotonta ymmärtää astumatta sosiaaliseen areenaan, jossa ne hyväksyttiin tai hylättiin, eli virallisiin salonkeihin ja akatemioihin. Ranskassa Kuninkaallinen maalaus- ja kuvanveistoakatemia saneli vuosisatojen ajan tiukkaa lajien hierarkiaa, asettaen historian maalauksen korkeimmalle ja sysäten maiseman tai asetelman alemmalle, miljoon halveksittavalle tasolle. Tullakseen tunnustetuksi taiteilijan oli vakuutettava konservatiivinen tuomaristo vuosittaisessa salongissa, jättimäisessä näyttelyssä, jossa tuhansia teoksia ripustettiin lattiasta kattoon, synnyttäen visuaalisen kyllästyksen, jossa ainoastaan klassisten sääntöjen noudattaminen takasi kunnollisen näkyvyyden.

Näiden jäykkien laitosten ulkopuolella todelliset vallankumoukset kuitenkin versovat usein, rohkeiden kauppiaiden ja visionääristen kriitikkojen kannattamina. Kun Hylättyjen salongki avasi ovensa vuonna 1863 Napoleon III:n määräyksestä, se esitteli vastoin tahtoaan virallisen tuomariston hylkäämät teokset tarjoten odottamattoman foorumin normit rikkoville taidemaalareille kuten Whistler ja Manet. Nämä vaihtoehtoiset tilat, joita galleristit kuten Durand-Ruel tukivat, antoivat uusille visuaalisille kielille mahdollisuuden löytää yleisönsä, todistaen että taiteellinen legitimiteetti ei riipu enää yksin professorien tuomiosta, vaan myös kyvystä luoda uusi markkina ja uusi katse.

Impressionismi: valo lähtee ulos haukkaamaan ilmaa ja palaa mukanaan kaveriporukka

Impressionismi merkitsee tarkalleen sitä hetkeä, jolloin maalaus päättää jättää pimeän ateljeen ja kohdata luonnonvalon oikut ulkoilmassa. Vuoden 1874 ensimmäisessä näyttelyssä valokuvaaja Nadarin luona Pariisissa Claude Monet esitteli teoksensa *Impression, soleil levant*, jonka nimeä kriitikko Leroy käytti pilkallisesti koko ryhmän kastamiseen. Se mikä tuolloin järkytti, ei ollut niinkään aihe, modernin elämän kohtaukset kuten regatat tai tanssiaiset, vaan tekniikka: sivellin veto muuttui näkyväksi, hakkautuvaksi, ja ääriviivat liukenivat väriheilahteluihin, jotka vihjaavat hetkelliseen vaikutelmaan ikuisen muodon sijaan.

Tämä kaveriporukka, johon kuuluivat Renoir, Degas, Pissarro ja Berthe Morisot, jakoi yhteisen pakkomielteen siitä, miten valo muuttaa värien havainnointia eri vuorokaudenaikoina. He hylkäsivät mustan varjoissa ja suosivat täydentäviä värejä, kuten sinistä ja violettia, muotoillakseen tilavuutta, tekninen rohkeus, joka sai heidän kankaansa näyttämään sumeilta salongikävijöiden silmissä. Vangitsemalla asemien höyryä ja Seinen vaihtuvia heijastuksia he keksivät visuaalisen modernisuuden, jossa aihe on vähemmän tärkeä kuin puhdas näkemisen tunne, muuttaen jokaisen taulun nopeaksi muistiinpanoksi elämän tuoreelta.

Jälki-impressionismi: kun kukin pitää värin ja lähtee omaan suuntaansa

Wikimedia Commons, vapaa kuva.

Jos impressionistit olivat vapauttaneet värin, seuraava, jälkikäteen jälki-impressionisteiksi nimetty sukupolvi, tunsi tarvetta palauttaa rakennetta ja merkitystä tähän ylenpalttiseen vapauteen. Paul Cézanne, joka työskenteli väsymättömästi Sainte-Victoire-vuoren edessä, pyrki käsittelemään luontoa lierion, pallon ja kartion avulla, laskien näin geometrisen perustan, joka johtaisi suoraan kubismiin. Päinvastoin Vincent van Gogh käytti väriä ei enää objektiivisen valon kuvaamiseen, vaan sisäisen myrskynsä ilmaisemiseen, levittäen maalia väkivaltaisilla veitsen iskuilla, jotka saivat sypressit ja tähtitaivaat pyörimään miltei hallusinatorisella energialla.

Muita suuntia hahmottuu tieteellisellä tarkkuudella tai henkisellä etsinnällä, kuten Georges Seuratilla, joka vei sävyjen jaon pointillistiseen menetelmään asti, rakentaen kuvansa mosaiikiksi puhtaan värin pisteistä, jotka sekoittuvat katsojan silmässä. Samaan aikaan Paul Gauguin pakeni teollista sivilisaatiota Bretagneen ja sitten Tahitille, etsien symbolismista ja mustalla reunustetuista väripinnoista alukuktaista ja mystistä totuutta. Tämä rikkaus osoittaa, että 1800-luvun loppu ei ole yksi ainoa tyyli, vaan intensiivinen laboratorio, jossa kukin taiteilija omaksuu impressionistisen perinnön ja taivuttaa sen omaan maailmankuvaansa.

Art nouveau: kaarevat viivat astuvat huoneeseen ja kieltäytyvät kulkemasta suoraan

Vuosikymmenen vaihteessa uusi taide eli art nouveau nousi reaktiona historiallista eklektismiä ja teollisen tuotannon koettua rumuutta vastaan, ja se ehdotti kokonaistaidetta, joka valtasi arkkitehtuurin, huonekalut ja arkiesineet. Sen visuaalinen kieli tunnistetaan heti orgaanisesta viivasta, kuuluisasta "ruoskaniskusta", joka jäljittelee kasvien varsia, tyyliteltyjä kukkia ja virtaavia hiuksia, kieltäytyen kaikesta geometrisesta jäykkyydestä. Taiteilijat kuten Alphonse Mucha tekivät siitä populaari­ikonin teatteri­julisteillaan, joissa eetteriset naiset ympäröityinä monimutkaisilla kasvi­aiheilla, kun taas Hector Guimard sovitti sen pariisilaisen metron sisäänkäyntien taoksiin, integroiden taiteen modernin kaupungin virtaan.

Gustav Klimt, wieniläisen secessionin keskushahmo, vei tämän koristeellisen logiikan huippuunsa peittäen hahmonsa kultalehdillä ja bysanttilaisilla kuvioilla, luoden maalauspinnan joka heiluu maalauksen ja korutaiteen välillä. Teoksessa *Suudelma* rakastavaiset näyttävät sulautuvan geometristen ja kukkamuotojen mattoon, pyyhkäisten ihmishahmon ja sen koristellun ympäristön välisen rajan. Liikkeen kunnianhimo oli jalo ja utopistinen: poistaa korkeataiteen ja käyttötaiteen välinen hierarkia luodakseen kauniin ja yhtenäisen elinympäristön, vaikka tämä yhdistämisen unelma pyyhkäistiinkin pian syrjään seuraavien avantgardien kylmän järjellisyyden toimesta.

Kubismi: yksi näkökulma puretaan vakavasti ottaen

Kubismi edustaa ehkä radikaaleinta katkosta länsimaisen taidehistorian historiassa renessanssin perspektiivin keksimisen jälkeen, ja se väittää ettei esinettä voida ymmärtää yhdestä kiinteästä näkökulmasta. Pablo Picasson ja Georges Braquen vuosina 1907–1908 aloittama liike, johon vaikuttivat afrikkalaiset naamiot ja Cézannen geometria, paloittelee todellisuuden moniin tasoihin jotka esitetään samanaikaisesti kankaalla. Picasson kuuluisa *Les Demoiselles d'Avignon* murtaa vartalot kulmikkaisiin ja uhkaaviin tasoihin, kun taas Braque pelkistää Estaquen maisemat toisiinsa kietoutuneiksi kuutioiksi ja lieriöiksi, pakottaen katsojan rakentamaan muodon tilassa mielessään uudelleen.

Kehittyessään synteettinen kubismi toi kuvaukseen todellisia elementtejä kollaasitekniikalla, liittäen sanomalehtipaperia, tekopuuta ja nuottilehtiä suoraan kankaalle. Tämä arkipäiväisen tunkeutuminen korkeataiteeseen hämärtää entisestään illuusion ja teoksen aineellisen todellisuuden välistä rajaa. Juan Gris toi tähän kieleen kristallin­kirkkautta ja matemaattista täsmällisyyttä, järjestäen hajallaan olevat sirpaleet harmonisiksi ja värikkäiksi kompositioiksi. Kubismi ei pyrkinyt kopioimaan maailmaa sellaisena kuin se näyttäytyy, vaan sellaisena kuin se älyllisesti tunnetaan, ja mullisti pysyvästi tapamme käsittää kuva.

Abstraktio ja surrealismi: kun maalaus lakkaa pyytämästä todellisuutta ohjailemaan

Abstraktio merkitsee suurta hyppyä, jolloin maalaus vapautuu lopulta velvollisuudesta kuvata mitään näkyvää ja löytää oikeutuksensa musiikista, hengellisyydestä tai puhtaasta tunteesta. Wassily Kandinskyä, jota usein pidetään lyyrisen abstraktion isänä, teoretisoi tätä lähestymistapaa verraten värejä pianon koskettimiin, jotka värähtelevät suoraan katsojan sielussa ilman esineen tunnistamista. Hänen improvisoidut kompositiotaan, joissa muodot leijuvat määrittelemättömässä tilassa, avaavat tien yleiselle kielelle viivoja ja väriläikkiä, joita Mondrianin tiukka neoplastismi ja amerikkalainen abstrakti ekspressionismi tutkivat kukin omalla tavallaan.

Samanaikaisesti surrealismi tutkii tiedostamattoman ja unen syvyyksiä, käyttäen maalausta mahdottoman kuvailemiseen valokuvauksellisen häiritsevällä tarkkuudella. Salvador Dalí, paranois-kriittisellä menetelmällään, maalaa pehmeitä kelloja valuvan oliivin oksiin teoksessa *Muistin pysyvyys*, luoden unenomaisia maisemia joissa fyysinen logiikka on kumottu. René Magritte puolestaan leikittelee kuvan ja sanan välisellä ristiriidalla maalaten piipun ja kirjoittaen "Tämä ei ole piippu" kyseenalaistaakseen itse representaation luonteen. Nämä kaksi suuntausta, vaikka ovatkin erillisiä, jakavat halun ylittää järjellinen saavuttaakseen korkeamman todellisuuden, olipa se sitten sisäinen tai psyykkinen.

Tyylin tunnistaminen ilman muistiinpanoja: tarkastele siveltimenjälkeä, valoa ja pieniä pakkomielteitä

Tunnistaaksesi liikkeen teoksen edessä on opeteltava lukemaan ne aineelliset vihjeet, jotka taiteilija on jättänyt, aloittaen tavasta jolla maali on levitetty kankaalle. Tasainen pinta, jossa siveltimenvedot ovat näkymättömiä ja viimeistely virheetön, viittaa usein akateemiseen ihanteeseen tai 1800-luvun realismiin, joka halusi peittää käden työn. Toisaalta, jos näet paksua, kasattua ainetta, jossa työkalujen jäljet näkyvät ja värit on aseteltu vierekkäin ilman esisekoitusta, olet todennäköisesti tekemisissä impressionistisen, ekspressionistisen tai fauvistisen lähestymistavan kanssa, jossa eleen energia menee kiillotetun viimeistelyn edelle.

Seuraavaksi tarkastele, miten tila on käsitelty ja millainen suhde teoksella on syvyyteen. Tiukan lineaarinen perspektiivi, jossa on yksi katoamispiste ja oikeat mittasuhteet, viittaa klassisiin tai uusklassisiin sääntöihin sitoutumiseen. Jos tila vaikuttaa litistyneeltä, tasot menevät sekavasti päällekkäin tai esineitä on kuvattu useasta kulmasta yhtä aikaa, kyseessä ovat kubismi tai tietyt modernin taiteen muodot. Samoin epäluonnollinen värimaailma – violetit varjot tai vihreät kasvot – on vahva merkki ilmaisullisesta tai symbolistisesta tahdosta, joka on kaukana pelkästä luonnon jäljittelystä.

Sisustus

Valitse taidesuuntaus seinälle: anna historian tulla sisään, mutta varmista, että se sopii sohvasi kanssa

Reproduktion valitseminen kotiin edellyttää valitun suuntauksen visuaalisen energian ja sen kyvyn käydä vuoropuhelua huoneen arkkitehtuurin kanssa tukehduttamatta sitä. Suurikokoinen, kirkasvärinen abstrakti teos, joka ammentaa Rothkosta tai Soulagesista, voi toimia tehokkaana keskipisteenä minimalistisessa olohuoneessa, jossa on pelkistetty sisustus, tuoden meditatiivista syvyyttä sinne, missä valkoiset seinät olisivat liian kylmät. Toisaalta valoisa impressionistinen näkymä pastellisine sinineen ja vihreineen tuo ilmavaa keveyttä ja tilan laajenemisen tunnetta, sopien erinomaisesti valaisemaan pimeää huonetta tai kapeaa käytävää raskaamatta tunnelmaa.

On myös tärkeää kunnioittaa mittakaavaa ja tunneilmastoa: art nouveau -tyyli, jossa on kaarevia viivoja ja kullankoristeita, sopii erinomaisesti sisustuksiin, joissa on runsaasti puuverhousta tai kasvielementtejä, luoden lämpimän tyylillisen jatkuvuuden. Voimakkaasti pilkkoutuneen analyyttisen kubismin sijoittaminen makuuhuoneeseen voi kuitenkin luoda visuaalista levottomuutta, joka on vastatuotettavaa lepoa ajatellen – ellei nimenomaan tavoittele tätä älyllistä jännitettä. Tavoitteena ei ole muuttaa olohuonetta kylmäksi museoksi, vaan valita teos, jonka visuaalinen kieli resonoi oman herkkyytesi kanssa ja täydentää arjen asuinympäristösi harmoniaa.

Jatkaaksesi kierrosta

Lähteet, kokoelmat ja aiheeseen todella liittyvät polut

Muutamia hyödyllisiä viitteitä tietojen tarkistamiseen, vapaiden kuvien vertailuun ja lukemisen jatkamiseen joutumatta museoon, joka ei ole pyytänyt vierailua.