Gustav Klimt : l'or, les femmes et le génie qui faisait briller Vienne

Contexte historique

Mistä Gustav Klimt on kotoisin, ellei erinomaisesta show-vaistostaan?

Gustav Klimt ei tullut tyhjästä – hän kasvoi perheympäristössä, jossa käsityötaito oli hallitsevassa asemassa. Hänen isänsä Ernst Klimt oli kullankaivertaja, vaativa ammatti, joka opetti varhain aineen arvon ja viivan tarkkuuden. On siis luonnollista, että nuori Gustav liittyi Wienin taideteollisuuskouluun, kuuluisaan Kunstgewerbeschuleen, jossa hän ei opiskellut perinteistä taulumaalausta, vaan koristetaiteita ja seinämaalausta. Tämä hybridikoulutus takoi häneen vakaumuksen, että taiteen tulee vallata koko tila katosta lattiaan, muuttaen jokaisen käytettävissä olevan pinnan teatterinäyttämöksi. Jo hänen ensimmäisistä tilauksistaan Burgtheaterille ja Kunsthistorisches Museumille käy ilmi, ettei hän maalaa tauluja, vaan pukeaa arkkitehtuuria.

Klimtin nousukausi osuu yhteen voimakkaassa muutoksessa olevan Wienin kanssa – keisarillisen pääkaupungin, joka pyrkii epätoivoisesti nykyaikaistamaan julkikuvaansa säilyttäen samalla loistonsa. Hän ymmärtää nopeasti, että seinästä voi tulla elävä näyttämö, paljon voimakkaampi kuin pelkkä naulaan ripustettu kangas. Hänen ensimmäiset suuret menestyksensä perustuvat tähän kykyyn yhdistää historiallinen kerronta rehevään koristeluun – hän käyttää jo värillisiä pintoja ja monimutkaisia ornamentteja, jotka ennakoivat hänen kypsää tyyliään. Toisin kuin hänen aikalaistensa, jotka ovat lukkiutuneet jäykkään akateemisuuteen, hän uskaltaa tuoda esiin häiritsevää aistillisuutta ja sommitelmallista vapautta, jotka yhtä lailla järkyttävät kuin kiehtovat wieniläistä porvaristoa. Juuri tämä hienovarainen tasapaino virallisen tilauksen ja esteettisen kumouksen välillä luo perustan hänen tulevalle kansainväliselle maineelleen.

Style artistique

Wien muuttuu, samoin Klimt: akateemisuus alkaa näkyä läpi

Vuonna 1897 mitta on täysi taiteilijasukupolvelle, joka tukehtuu Itävallan akateemisten konventioiden painon alla. Gustav Klimt, rinnallaan Josef Hoffmann ja Koloman Moser, perustavat Wienin sesessiotaiteen – liikkeen, joka julistaa haluavansa vapauttaa taiteen sen perinteisistä kahleista. Heidän tunnuslauseensa, joka on kaiverrettu Joseph Maria Olbrichin suunnitteleman paviljongin päätykolmioon, kaikuu kuin manifesti: ”Jokaiselle aikakaudelle oma taiteensa, jokaiselle taiteelle oma vapautensa”. Tämä katkos ei ole pelkästään tyylillinen, vaan rakenteellinen: kyse on maalauksen, arkkitehtuurin ja muotoilun lähentämisestä kokonaistaideteoksen – kuuluisan Gesamtkunstwerkin – luomiseksi. Ver Sacrum -aikakauslehti nousee tämän uuden näkemyksen äänitorveksi ja levittää pelkistettyä grafiikkaa sekä rohkeita ajatuksia, jotka järisyttävät paikallista konservatiivisuutta.

Klimtin irtautuminen wieniläisestä taidevallasta merkitsee ratkaisevaa käännekohtaa hänen urallaan, sillä hän vähitellen hylkää suuret historialliset freskot ja keskittyy yhä intiimimpiin ja symbolisempiin aiheisiin. Viralliset toimeksiannot käyvät yhä harvinaisemmiksi, etenkin hänen Wienin yliopistolle tekemiinsä allegorisiin maalauksiin liittyneen skandaalin jälkeen – viranomaiset pitivät niitä liian hämäriksi ja provosoiviksi. Vapauduttuaan näistä institutionaalisista kahleista taiteilija lähtee tutkimaan uusia suuntia, etääntyen kerronnallisesta realismista ja omaksuen koristeellisemman ja salaperäisemmän visuaalisen kielen. Tämä siirtymävaihe on erittäin merkityksellinen, sillä sen ansiosta hän pystyy syventämään tutkimustaan ihmishahmon ja koristeen välisestä suhteesta, luoden pohjaa pian seuraavalle kultakautensa luovalle räjähdysmäiselle kukoistukselle.

Période dorée

Miksi kaikki tämä kulta? Koska beige hävisi väittelyn

Käänne kullan puoleen ei ole rikkaan mielijohde, vaan esteettisen oivalluksen hedelmä – se syntyi ratkaisevalla matkalla Italiaan. Noin vuonna 1903 Klimt löysi Ravennan bysanttilaiset mosaiikit, erityisesti San Vitalen basilikan mosaiikit, joissa valo näytti säteilevän itse materiaalista sen sijaan, että se olisi maalattu pintaan. Luminoivan aineettomuuden lumoamana hän päätti sisällyttää kulta- ja hopealevyt suoraan kankaille, käyttäen toisinaan jopa aitoja jalometalleja upotettuna öljymaaliin. Tämä tekniikka, jota länsimaissa oli modernilla aikakaudella käytetty vain harvoin keskiajan jälkeen, muutti radikaalisti taideteoksen kokemista: maalaus ei enää heijasta valoa, se synnyttää sitä, luoden pyhää ja ajatonta tunnelmaa niiden maallisten aiheiden ympärille, joita hän kuvasi.

Tämä kultainen kausi, jota bysantilainen perintö ravitsi, antaa hänen muotokuvilleen ja allegorioilleen läsnäolon, joka on samanaikaisesti arvokas, aistillinen ja syvästi symbolinen. Kulta ei ole Klimtille ainoastaan aineellisen vaurauden merkki, vaan työkalu, jolla irrottaa hahmot arkisesta todellisuudesta ja siirtää ne unenomaiseen tilaan. Teoksissa, kuten Muotokuva: Adele Bloch-Bauer I, vaatteet ja tausta sulautuvat yhteen geometristen ja orgaanisten kuvioiden matoksi, jossa mallin vartalo nousee esiin kuin todellisen lihan saarena abstraktin valtameren keskellä. Tämä silmiinpistävä kontrasti metallin viileän mineraalisuuden ja elävän ihon lämmön välillä luo ainutlaatuisen visuaalisen jännitteen, joka vangitsee katsojan katseen välittömästi.

Portraits féminins

Naiset Klimtin taiteessa: malleja, ikoneita ja katseita, jotka tietävät asioita

Naiset ovat Klimtilla keskeisellä sijalla – eivät pelkkinä passiivisen ihailun kohteina, vaan luonnonvoimina, jumalattarina ja saalistajina, jotka ovat tietoisia omasta voimastaan. Olipa kyse sitten Judithista, joka katkaisee Holoferneen pään hämmentävän nautinnon ilmeellä, tai Danaësta, joka vastaanottaa Zeuksen kultaisen sateen täydellisessä antautumisen asennossa, hänen sankarittarensa ilmentävät tiedostettua ja usein vaarallista seksuaalisuutta. He eivät katso katsojaa nöyrästi; heidän silmänsä ovat usein suljetut tai suunnattu kaukaisuuteen, mikä viittaa siihen, että heidän sisäinen maailmansa on rikas ja saavuttamaton. Tämä esitystapa poikkeaa jyrkästi aikakauden viktoriaanisesta siveydestä ja ilmentää monitahoista naiseuden tulkintaa, jossa äitiys, erotiikka ja kuolema sulautuvat yhteen ylellisen koristeellisessa kehyksessä.

Myytin tuolla puolen Klimt loistaa wieniläisen yläluokan naisten muotokuvissa, muuttaen tilaajansa koskemattomiksi ikoneiksi kuvioiden ja kultan kertymän avulla. Adèle Bloch-Bauerin muotokuva on täydellinen esimerkki tästä alkemiasta, jossa mallin persoonallisuus näyttää liukenevan kolmioiden, tyyliteltyjen silmien ja spiraalien kehykseen, joka suojelee häntä yhtä paljon kuin vangitseekin. Kuitenkin tämän näennäisen ylellisyyden alta voi aavistella hienovaraista psykologiaa, inhimillistä haurautta, joka pilkottaa kullan naamion läpi. Nämä teokset eivät ole pelkkiä imartelevia kuvia, vaan syvällisiä tutkimusmatkoja naiselliseen identiteettiin 1900-luvun alussa, tallentaen ahdistusta ja kaipuuta aikakaudella, joka oli keskellä sosiaalista ja kulttuurista mullistusta.

Art & détails

Le Baiser: rakkaus, kulta ja valtava paine sohvatyynyillä

Vuoden 1907 ja 1908 välisenä aikana valmistettu Le Baiser on epäilemättä Klimtin ikonisin teos, joka tiivistää yksinään koko hänen taiteellisen filosofiansa ja teknisen taituruutensa. Nykyään Wienin Belvedere-museossa säilytettävä monumentaalinen maalaus esittää toisissaan kiinni olevaa paria kukkivan jyrkänteen reunalla, kääriytyneenä ainutlaatuiseen vaippaan, joka on kudottu erilaisista kuvioista. Mustavalkoisiin suorakulmioihin verhottu mies, jotka viittaavat jäykkään miehiseen voimaan, kallistaa päänsä naista kohti, kun taas värikkäillä ympyröillä ja kukilla peitetty nainen antautuu pehmeään ja vastaanottavaiseen kaareen. Sommitelma on tasapainon mestariteos, jossa vartaloiden pystysuuntaisuus kontrastoi kukkivan maan vaakasuuntaisuuden kanssa ja luo visuaalisen dynamiikan, joka tempaa katsojan kohti syleilyn keskustaa.

Se, mikä Suudelmassa kiehtoo niin syvästi – sen universaalin aiheen lisäksi – on tapa, jolla Klimt käyttää ornamenttia ilmaisemaan sielujen yhteen sulautumista pelkän fyysisen läheisyyden sijaan. Nuo kaksi yksilöä menettävät omat ääriviivansa ja muodostavat yhden ainoan kultaisen kokonaisuuden, jonka kirkas hohto eristää muusta maailmasta. Silti sävy melankoliaa säilyy: nainen on polvillaan, miltei alistuvassa asennossa, ja niityn jyrkkä reuna muistuttaa tämän armon hetken hauraudesta eksistentiaalisen tyhjyyden edessä. Juuri tämä koristeellisen rehevyyden ja emotionaalisen syvyyden välinen kaksijakoisuus tekee maalauksesta ajattoman ikonin, joka kykenee puhuttelemaan yhtä lailla museokävijöitä kuin taiteen ystäviä heidän olohuoneissaan.

Art & détails

Kuinka tunnistaa Klimt ilman että tarvitsee kaivaa esiin professorin suurennuslasia?

Klimtin teoksen tunnistaminen ei vaadi taidehistorian tutkintoa, vaan pikemminkin erityistä huomiota tekstuuriin ja kuvallisen tilan hallintaan. Ensimmäinen merkittävä vihje piilee systemaattisessa tasaväripintojen käytössä: Klimt kieltäytyy perinteisestä perspektiivistä ja klassisesta tilavuudellisesta mallintamisesta suosiakseen runsaasti koristeltuja tasaisia pintoja. Taustat eivät ole koskaan pelkkiä neutraaleja asetelmia, vaan aktiivisia kenttiä, jotka ovat täynnä spiraaleja, suomuja, vinoneliöitä ja silmämäisiä kuvioita, mitkä kilpailevat tärkeydessä päähenkilöiden kanssa. Tämä illuusorisen syvyyden puuttuminen pakottaa katseen pysymään kankaan pinnalla ja kutsuu tuntoaistilliseen ja koristeelliseen tulkintaan narratiivisen sijaan.

Toinen tunnusomainen ja väistämätön piirre on silmiinpistävä kontrasti kasvojen ja käsien realismin sekä vaatteiden ja ympäristön täydellisen abstraktion välillä. Klimt maalaa usein ihon sävyt pehmeästi muotoillen, lähes valokuvauksellisesti, tuoden esiin ihonvärin ja psykologisen ilmaisun, ennen kuin ympäröi ne geometristen tai tyyliteltyjen kasvikuvioiden vyöryllä. Tämä luonnollisen ja keinotekoisen välinen jännite synnyttää ainutlaatuisen visuaalisen värähtelyn, ikään kuin hahmot nousisivat esiin kultaisesta unesta hetkellisesti koskettaakseen todellisuuttamme. Lisäksi väripaletti, jota hallitsevat usein kulta, punainen, smaragdinvihreä ja syvä musta, luo tätä ylellistä ja salaperäistä tunnelmaa, joka on välittömästi tunnistettavissa tuhansien muiden joukosta.

Sécession viennoise

Schiele, Mucha, Moser: taiteilijanaapurit, jotka eivät tyynesti jää kynnykselle

Vaikka Klimt on vertauskuvallinen hahmo, hän ei koskaan luonut taidetta taiteellisessa tyhjiössä, vaan toimi tiheässä luovien tekijöiden verkostossa, jotka muokkasivat keskieurooppalaista jugendtyyliä uudelleen. Egon Schiele, hänen kuuluisin suojattinsa, työnsi ihmisruumiin tutkimuksen paljon karkeammille ja kulmikkaammille alueille, riisuen klimtiläisen koristeellisuuden paljastaakseen olemassaolon raakohermoisen jännitteen. Toisaalta taiteilijat kuten Alphonse Mucha, vaikkakin tšekkiläinen ja kytköksissä pariisilaiseen jugendiin, jakoivat Klimtin kanssa rakkauten kaareviin viivoihin ja idealisoituun naiskuvaan, vaikka hänen lähestymistapansa pysyikin graafisempana ja mainosmaisempana. Nämä jatkuvat vuorovaikutukset mahdollistivat sen, että wieniläisestä sesessiosta tuli älyllinen risteyskohta, jossa maalaustaide kävi jatkuvaa vuoropuhelua arkkitehtuurin ja esinesuunnittelun kanssa.

On mahdotonta puhua Klimtistä mainitsematta hänen läheisiä yhteistyökumppaneitaan, kuten Koloman Moseria ja Josef Hoffmannia, Wiener Werkstätten perustajia. Samalla kun Klimt tutki koristeen henkistä ja symbolista ulottuvuutta, Moser ja Hoffmann sovelsivat samoja geometrisia periaatteita jokapäiväiseen elämään suunnitellen huonekaluja, tekstiilejä ja käyttöesineitä hämmästyttävän modernin tarkasti. Tämä alojenvälinen yhteistyö havainnollistaa täydellisesti Seession kunnianhimoa: hälventää raja korkean taiteen ja taideteollisuuden välillä. Näiden yhteyksien ymmärtäminen rikastuttaa huomattavasti Klimtin taideteosten tulkintaa, sillä hänen maalauksensa eivät ole eristäytyneitä saarekkeita, vaan aikansa wieniläisen yhteiskunnan esteettisen uudistamisen kokonaisvaltaisen hankkeen keskeisiä teoksia.

Art & détails

Mitä museot kertovat, kun internet puhuu liian nopeasti

Digitaalisella aikakaudella, jolloin kuvat leviävät huimaa vauhtia, on olennaisen tärkeää palata museoiden äärelle ymmärtääkseen Klimtin teosten todellisen mittakaavan ja materiaalisuuden. Wienin Belvedere-museo omistaa maailman laajimman kokoelman ja tarjoaa vertaansa vailla olevan mahdollisuuden sukeltaa taiteilijan tyylilliseen kehitykseen hänen akateemisista varhaisvaiheistaan aina viimeisiin keskeneräisiin maalauksiinsa saakka. Samoin Leopold Museum, joka niin ikään sijaitsee Wienissä, tarjoaa olennaista kontekstia asettamalla Klimtin rinnakkain Schielen ja Kokoschkan kanssa, mikä auttaa ymmärtämään itävaltalaisen ekspressionismin dynamiikkaa. Nämä instituutiot säilyttävät paitsi maalauksia myös luonnoksia ja kirjeenvaihtoa, jotka paljastavat kultausten näennäisen vaivattomuuden taustalla piilevän työlään luovan prosessin.

Lukijoille, jotka eivät voi matkustaa Itävaltaan, New Yorkin Neue Galerie on ehdoton vierailukohde. Se pitää sisällään muun muassa arvostetun teoksen *Adele Bloch-Bauerin muotokuva I*, joka palautettiin paikalle pitkän ja merkittävän oikeudellisen taistelun jälkeen. Näiden museoiden verkkosivut sekä tietokannat kuten Wikidata ja Wikimedia Commons tarjoavat nykyään korkealaatuisia digitaalisia pääsyjä, joiden avulla voi tutkia pienimpiä yksityiskohtia tekstuureissa ja halkeamissa. Mikään näytön kautta katsottu jäljennös ei kuitenkaan voi täysin välittää todellisten kultalehtien päältä kimpoilevan valon fyysistä vaikutelmaa. Näiden laitosten tieteellisten kuvastojen ja esittelytekstien tarkastelu on edelleen paras keino korjata internetissä yleisesti esiintyviä epätarkkuuksia ja arvostaa näiden mestariteosten teknistä monimutkaisuutta.

Art & détails

Klimt kotiin – ilman että olohuone muuttuu keisarilliseksi palatsiksi

Klimtin reproduktion yhdistäminen moderniin sisustukseen vaatii tiettyä silmää, jotta välttyy kitchiltä vaikutelmalta tai raskaalta historialliselta jäljittelyltä. Avain piilee teoksen loiston ja ympäristön niukkuuden välisessä vuoropuhelussa: kullattu taulu pääsee parhaiten oikeuksiinsa yksivärisellä seinällä, joka on maalattu syviin sävyihin, kuten yönsiniseksi, metsänvihreäksi tai jopa mattapintaiseksi antrasiitinharmaaksi. Nämä tummat sävyt toimivat kehyksenä, joka nostaa esiin kullan luonnollisen hehkun kilpailematta sen kanssa. Vältä ehdottomasti tiheäkuvioisia tapetteja tai liian barokkimaisia huonekaluja, jotka joutuisivat visuaaliseen ristiriitaan itse taulun runsaan koristeellisuuden kanssa.

Formaatin ja tilan valinnalla on myös ratkaiseva rooli tässä koristeellisessa yhdistämisessä onnistumisessa. Olohuoneessa suuri Suudelman tai Adèle Bloch-Bauerin teoksen reproduktio voi toimia majesteettisena katseenvangitsijana pelkistetyn sohvan yläpuolella, tuoden tilaan lämpöä ja luonnetta. Makuuhuoneessa sen sijaan kannattaa suosia pehmeämpiä teoksia, kuten maisemia tai friisin yksityiskohtia, joiden väripaletti on usein kasvillisuuden sävyinen ja rauhoittava. Luovassa työhuoneessa monimutkaiset allegoriat voivat virittää mielikuvitusta, kunhan teoksen ympärille jätetään riittävästi tyhjää tilaa silmän levähtämistä varten. Tavoitteena on antaa taiteen hengittää, ei tukahduttaa huonetta historian painon alle.

Décoration intérieure

Vältettävät virheet ennen kullan ripustamista seinälle

Ensimmäinen yleinen virhe on valita reproduktio pelkästään kuvan tunnettuuden perusteella ottamatta huomioon painolaatua ja materiaalien toistoa. Halvassa kopiossa kullanhohto tavallisesti latistuu pelkäksi elottomaksi keltaiseksi sävyksi, jolloin katoaa kaikki Klimtille ominainen valoisa lumous. Ehdottomasti kannattaa etsiä korkearesoluutioisia taidevedoksia, mielellään kankaalle painettuja ja kestävillä pigmenttimusteilla tuotettuja, tai jopa käsin maalattuja reproduktioita, jotka pyrkivät jäljittelemään alkuperäisteoksen pintaa ja kohokuviointia. Katseluetäisyys on niin ikään ratkaiseva tekijä: näin yksityiskohtainen teos vaatii riittävästi tilaa ympärilleen tullakseen arvostetuksi kokonaisuutena, joten älä ripusta sitä liian kapeaan käytävään.

Lopuksi, varokaa visuaalista ylikuormitusta ja huonoa valaistusta, jotka voivat täysin vääristää klimtläisen teoksen vaikutusta. Suora ja aggressiivinen valaistus, kuten huonosti suunnattu halogeenispotti, voi aiheuttaa häiritseviä heijastuksia painoksen kultaisiin osiin, mikä tekee kuvan tulkitsemisesta vaikeaa ja rasittavaa. Suosikaa pehmeää ja lämmintä valoa, joka verhoaa taulun ja korostaa sen arvokkuutta olematta liian kova. Älä myöskään yritä sovittaa jokaista sisustuselementtiäsi taulun väreihin; antakaa teoksen olla olemassa itsenäisenä objektina. Jos haluatte liian innokkaasti yhdistellä tyynyjä tai maljakoita taiteilijan motiiveihin, riskinä on muuttaa sisustuksenne keinotekoiseksi teatterinäyttämöksi harmonisen asumisen sijaan.

Pour continuer la visite

Aidosti aiheeseen liittyvät lähteet, kokoelmat ja polut

Muutamia hyödyllisiä lähteitä tietojen tarkistamiseen, vapaasti käytettävien kuvien vertailuun ja lukemisen jatkamiseen ilman että tarvitsee lähteä museoon, joka ei ole pyytänyt mitään.