Judith de Klimt : or, regard fatal et héroïne qui ne baisse pas les yeux

Contexte historique

Judith I: suora katse, kultaa ja Holofernes, jolla ei ole enää oikeasti sananvaltaa

Kuvattuna luovan kukoistuksen huipussaan tämä Judith-versio eroaa radikaalisti perinteisistä esityksistä, joissa dramaattinen toiminta hallitsee kaikkea muuta. Klimt valitsee tiiviin, miltei sopimattoman rajauksen, joka katkaisee sankarittaren vartalon lonkkien kohdalta ja sysää assyrialaisen kenraalin irtileikatun pään oikeaan alakulmaan, tuskin näkyväksi kiusalliseksi yksityiskohdaksi. Katsoja vangitaan välittömästi tähän puoliksi suljettujen silmien kasvoihin, joka kelluu kultalehtien valtameressä – lehtiä on levitetty kultasepän tarkkuudella – samalla kun vasen käsi silittelee melkein hajamielisesti uhrin hiuksia. Tämä pystysuora kompositio pakottaa häiritsevään intiimiyteen, muuttaen sotateon puhtaaksi esteettiseksi kokemukseksi, jossa väkivalta on estetisoitu huolestuttavuuteen asti.

Karkeahkon ja abstraktin taustan välinen kontrasti luo ainutlaatuisen visuaalisen jännitteen, joka haastaa aikakauden akateemiset konventiot. Samalla kun kaulan lihakset ja paidan läpikuultavuus viittaavat konkreettiseen fyysiseen läsnäoloon, muu osa taulua hajoaa kultaisiin spiraaleihin ja suorakulmioihin, jotka muistuttavat Ravennan mosaiikeista ja samalla ennakoivat art deco -tyyliä. Holofernes, josta erottuvat vain kallon yläosa ja muutamat tummat hiussuortuvat, on menettänyt kaiken narratiivisen arvokkuutensa ja muuttunut pelkäksi tekstuuriseksi lisukkeeksi, tummaksi kontrastiksi, joka korostaa Judithin kalpean ihon hehkua. Tämä tietoinen epätasapaino osoittaa selvästi, että aiheena ei ole murha vaan sen tehneen naisen magneettinen voima.

Style artistique

Juudit ja Holofernes: ennen Klimtiä, jo valmiiksi levoton tarina

Klimtin innoittama raamatullinen kertomus on peräisin Judithin kirjasta, apokryfisestä tekstistä, joka kertoo, kuinka juutalainen leski pelasti kaupunkinsa Betulian assyrialaisten piiritykseltä. Aseinaan vain kauneutensa ja rohkeutensa hän tunkeutui sotapäällikkö Holoferneen telttaan, juovutti tämän yksityisissä pidoissa ja leikkasi sitten hänen kurkkunsa auki tämän omalla sapelimiekallaan tämän nukkuessa raskasta unta. Tämä kertomus naisellisesta oveluudesta, joka voittaa sotilaallisen raakuuden, on kiehtonut taiteilijoita vuosisatojen ajan tarjoten poliittisen allegorian näennäisestä heikkoudesta, joka voittaa tyrannimaisen voiman. Kuitenkin siellä, missä Donatello kuvasi ylvästä ja hyveellistä Judithia tai missä Caravaggio osoitti teon fyysistä ponnistelua, Klimt sivuuttaa täysin episodin isänmaallisen tai moraalisen ulottuvuuden keskittyäkseen jälkeiseen aistillisuuteen.

Klassisessa ikonografisessa perinteessä Judithiin liitetään usein hänen palvelijattarensa Abra, joka kuljettaa päätä säkissä. Tämä korostaa naisten välistä yhteenkuuluvuutta ja teon käytännöllistä puolta. Klimt jättää tämän sivuhenkilön kokonaan pois eristääkseen sankarittarensa täydelliseen yksinäisyyteen ja vahvistaakseen ajatusta siitä, että Judith toimii yksin, sisäisen impulssin ohjaamana eikä kansalaisvelvollisuudesta. Maantieteellisen ja ajallisen kontekstin poistaminen antaa taiteilijalle mahdollisuuden muuntaa historiallinen anekdootti ajattomaksi femme fatale -arkkityypiksi. Samalla hän siirtää katsojan mielenkiinnon pois jumalallisesta oikeudesta kohti monimutkaista naisten psykologiaa – naista, joka näyttää kokevan murhatekonsa äärellä monitulkintaista, jopa eroottista tyytyväisyyttä.

Sécession viennoise

Wien noin vuonna 1900: kun moraali yskii ja maalaus hymyilee kummallisesti

Ymmärtääkseen tämän taulun kapinallista latausta täytyy hengittää vuosisadan vaihteen Wienin ilmaa, pääkaupunkia, jossa Itävalta-Unkarin valtakunta natisi liitoksistaan tukahduttavien sosiaalisten sopimusten painossa. Vuonna 1897 Klimtin, Koloman Moserin ja Josef Hoffmannin perustama Wienin secession pyrki nimenomaan katkaisemaan nämä kahleet yhdistämällä kuvataiteet koristetaiteisiin ja tutkimalla porvarillisen yhteiskunnan tabuja. Tässä Freudin tiedostamatonta ja seksuaalisuutta koskevien teorioiden älyllisesti käyneessä ilmapiirissä Judithin hahmosta tulee ihanteellinen väylä ilmaista miesten ahdistuksia naisen emansipaatiota ja tuhoisaa halua kohtaan. Taulu ei ole naiivi juhlinen, vaan peili, joka ojennetaan yhteiskunnalle, joka kauhuissaan huomaa, että kauneus voi kätkeä alleen pelottavan vallantahdon.

Aikakauden keskusteluissa vastakkain asettuivat usein konservatiivit, jotka olivat järkyttyneitä Secessionin teosten alastomuudesta ja moraalisesta monitulkintaisuudesta, sekä modernistit, jotka näkivät taiteessa keinon tutkia ihmisyyden totuutta ilman kaunistelua. Tässä yhteydessä esitetty Judith I toimi visuaalisena manifestina tästä uudesta vapaudesta, kieltäytyen luokittelemasta naista enkeliksi tai demoniksi vaan julistaen hänet monitahoiseksi luonnonvoimaksi. Tyyliteltyjen kukka-aiheiden ja toisiinsa kietoutuvien orgaanisten muotojen käyttö viittaa suoraan kansainväliseen art nouveau -tyyliin, säilyttäen samalla selvästi wieniläisen erityispiirteen geometrisen kurinalaisuuden muodossa. Tämä teos ilmentää siis täydellisesti aikakauden modernia henkeä: eleganttia mutta radikaalia katkosta menneisyyteen, jossa estetiikka palvelee perinteisen moraalin perusteiden kyseenalaistamista.

Période dorée

Kulta Judithilla: ei ilmaista luksusta, vaan pikemminkin psykologinen valonheitin, jota on erittäin kallista katsella

Kultalehden runsas käyttö Judith I -teoksessa ei ole pelkkä koristeellinen oikku tai yritys jäljitellä aineellista ylellisyyttä, vaan syvällisesti harkittu tekninen ja symbolinen valinta. Klimt ammentaa suoraan bysanttilaisista mosaiikeista, joita hän pääsi ihailemaan Italian-matkoillaan, erityisesti Ravennassa, missä kultaa käytettiin henkistämään kuvaa ja irrottamaan kohde maallisesta todellisuudesta. Peittämällä Judithin taustan ja vaatteet tällä arvokkaalla aineella taiteilija muuttaa mallinsa pyhäksi ikoniksi – mutta maalliseksi ikoniksi, joka pyhittää eroottisen vallan uskonnollisen pyhyyden sijaan. Valo ei enää tule ulkoisesta luonnollisesta lähteestä, vaan näyttää säteilevän itse taulun pinnasta, luoden epätodellisen tunnelman, joka eristää sankarittaren hänen omaan kultaiseen maailmaansa.

Tämä metallinen pinta toimii myös psyykkisenä suojana estäen katsojaa tunkeutumasta liian helposti hahmon intiimiin maailmaan, samalla kun se kiehtoo väistämättömästi katsetta. Mekkoa koristavat kuviot – ympyrät, spiraalit ja soikeat muodot – muistuttavat biologisia soluja tai tyyliteltyjä silmiä, mikä viittaa rikkaaseen ja salaperäiseen sisäiseen elämään. Toisin kuin renessanssiaikakauden realistiset laskokset, jotka seuraavat painovoimaa, nämä koristeet leijuvat kehon ympärillä uhmaten fysiikan lakeja ja korostaen näin kohtauksen symbolista ulottuvuutta. Kulta muuttuu siten teoksen pääasialliseksi kieleksi, joka välittää ajatuksen sisäisestä rikkaudesta, piilevästä vaarasta ja taiteellisesta transsendenssista – jotain mikä ylittää pelkän kuvallisen esittämisen.

Art & détails

Tämä naama ei poseeraa – se neuvottelee suoraan visuaalisen rohkeutesi kanssa

Judithin kasvot ovat epäilemättä yksi modernin taiteen historian häiritsevimmistä muotokuvista, pääasiassa siksi, että ne kieltäytyvät kaikesta tavanomaisesta vuorovaikutuksesta katsojan kanssa. Hänen silmänsä ovat siristyneet, melkein kiinni, ikään kuin hän nauttisi intiimistä muistosta tai voimakkaasta fyysisestä tuntemuksesta, kun taas hänen raolleen jäänyt suunsa paljastaa lyhyen, katkonaisen hengityksen – jotakin mielihyvän huokauksen ja pidätellyn ponnistuksen korinan väliltä. Tämä ilme ei pyydä sääliä eikä ihailua, se pakottaa läsnäoloon, joka saa olon epämukavaksi, sillä ei voi koskaan tietää varmasti, hymyileekö hän tyytyväisenä vai onko hän vaipumassa transsiin. Iho on maalattu maitomaisen pehmeästi, mikä on räikeässä ristiriidassa juuri suoritetun teon karuuden kanssa ja synnyttää kognitiivisen dissonanssin, jonka tarkkailijan on vaikea ratkaista.

Pysty formaatti korostaa tätä valta-asetelmaa, pakottaen katseen nousemaan solakkaa kaulaa pitkin kohti ylpeästi kohotettua leukaa, joka huokuu ylimielistä mahtavuutta. Hänen piirteissään ei ole jälkeäkään katumuksesta, pään hieman sivulle kallistuneessa asennossa ei ole häivääkään epäröintiä – se on kuin perverssi kutsu. Klimt vangitsee tässä sen tarkan hetken, jolloin väkivalta muuttuu ekstaasiksi, hämärtäen murhan ja lemmen teon välisen rajan. Tämä kasvot eivät kerro lineaarista tarinaa, se projisoi raakaa tunnetilaa, joka pakottaa katsojan kohtaamaan omat fantasiat ja pelkonsa kaikkivoipaa naiseutta kohtaan.

Art & détails

Judith vai Salome? Jopa sivistyneet katsojat ovat toisinaan antaneet kullan hohdon hämätä itseään

Toistuva sekaannus Judithin ja Salomen välillä – tämä toinen suuri vuosisadan lopun mielikuvituksen päitä katkova hahmo – ei ole sattumaa, vaan johtuu Klimtin tarkoituksellisesti ylläpitämästä monitulkintaisuudesta. Salome, joka tuli kuuluisaksi pyydettyään Johannes Kastajan päätä seitsemän hunnun tanssinsa jälkeen, jakaa Judithin kanssa kauniin ja vaarallisen naisen motiivin, joka pitelee makaberia palkintoaan, mikä hämärtää perinteisiä ikonografisia kiintopisteitä. Lukuisat aikakauden kriitikot, jotka olivat hämmentyneitä teoksen paljastavasta aistillisuudesta, tunnistivatkin maalauksen Salomeksi, jättäen täysin huomiotta taiteilijan suunnittelemaan alkuperäiseen kehykseen kirjoitetun tekstin "Judith und Holofernes". Tämä väärinymmärrys paljastaa, kuinka hyvin Klimt onnistui siirtämään aiheen moraalin alueelta puhtaan halun alueelle, jossa raamatullinen identiteetti merkitsee vähemmän kuin femme fatale -arkkityyppi.

Poistamalla ne erityiset attribuutit, jotka tavallisesti erottavat nämä kaksi hahmoa – kuten palvelijattaren Judithin tai tarjottimen Salomen kohdalla – taiteilija luo hybridisen hahmon, joka tiivistää sisäänsä kaikki aikakauden miesten ahdistukset. Katkaistusta päästä tulee eroottisen lumon kohde pikemmin kuin poliittisen tai uskonnollisen vapautumisen symboli. Tämä myyttien yhdistäminen saa teoksen resonoimaan symbolistien, kuten Gustave Moreaun ja Franz von Stuckin, teemojen kanssa – heille nainen oli usein petoeläin, saalistava olento. Klimt ei pyri korjaamaan tätä tulkintaa, vaan antaa epävarmuuden säilyä vahvistaakseen kuvansa mystiikkaa ja suggestiivista voimaa.

Art & détails

Adele, Danaë, Toivo: Klimtin teoksissa naiset eivät koristele seinää – he kannattelevat sitä

Judith käy vuoropuhelua intensiivisesti muiden suurten naishahmojen kanssa, joita Klimt maalasi kultaisella kaudellaan, muodostaen gallerian naisia, jotka hallitsevat kuvallista tilaa pelkällä läsnäolollaan. Mieleen tulee heti muotokuva Adele Bloch-Bauer I:stä, jossa tilaaja häviää lähes kokonaan koristeiden alle ja muuttuu itse bysanttilaiseksi epäjumalankuvaksi, tai Danaë, joka on kääriytynyt kultaiseen liinaan, joka näyttää sekä kuluttavan että suojelevan häntä. Jokaisessa näistä teoksista nainen ei ole passiivinen esine, joka on tarkoitettu sisustuksen kaunistamiseen, vaan aktiivinen voima, joka jäsentää sommittelua ja sanelee sen visuaalisen rytmin. Koristeelliset kuviot eivät palvele kehon piilottamista, vaan sen voiman ylistämistä, luoden visuaalisen haarniskan, joka suojaa heidän mysteeriään samalla kun se viestii heidän mahdollisesta vaarallisuudestaan.

Jopa taideteoksissa kuten L'Espoir I, jossa alastonta raskaana olevaa naista ympäröivät kallot ja aaveelliset hahmot, kohtaamme saman jännitteen elämän, kuoleman ja armottoman kauneuden välillä. Klimt käyttää järjestelmällisesti ornamentointia luodakseen autonomisen, ajattoman tilan, jossa hänen sankarittarensa liikkuvat omien sääntöjensä mukaan. Judithin vertaaminen näihin muihin teoksiin auttaa ymmärtämään, että taiteilijalle koristelu on itsessään kerronnallinen kieli, joka kykenee ilmaisemaan monimutkaisia käsitteitä kuten hedelmällisyyttä, kuolevaisuutta tai viehätysvoimaa turvautumatta kirjaimelliseen kertomukseen. Nämä naiset hallitsevat tilaa eivät fyysisen painonsa, vaan katseensa intensiteetin ja symbolisen ympäristönsä rikkauden ansiosta.

Décoration intérieure

Klimtin Judith-teoksen valitseminen: todella kaunis, mutta olohuoneesi täytyy sietää pientä dramaattista jännitettä

Judith I -teoksen reproduktion yhdistäminen nykyaikaiseen sisustukseen vaatii tiettyä rohkeutta, sillä tämä maalaus ei ole neutraali sisustuselementti, jonka tarkoituksena on täyttää tyhjää seinäpintaa. Sen pysty ja kapea muoto sopii täydellisesti kulkutiloihin, sisäänkäynteihin tai kapeille seinäpinnoille kahden ikkunan väliin, joissa se voi toimia valoa säteilevänä pylväänä ja välittömästi kiinnittää katseen. Kultaisten sävyjen valta-asema edellyttää huolellista valaistusta – ihanteellisesti lämmintä ja suunnattua valoa, joka saa metalliset yksityiskohdat kimaltelemaan luomatta kuitenkaan häiritseviä heijastuksia, jotka peittäisivät kasvot näkyvistä. On erittäin tärkeää jättää teoksen ympärille riittävästi tyhjää tilaa, jotta se voi hengittää ja tuoda esiin arvokkaan läsnäolonsa joutumatta visuaaliseen ristiriitaan liian koristeellisten huonekalujen tai kilpailevien kuvioiden kanssa.

On myös hyväksyttävä, että tämä kuva tuo huoneeseen dramaattisen jännitteen, rikkoen nykyistä pyrkimystä täydelliseen seesteisyyteen sisustuksessa. Judith ei sovi yhteen kylmän minimalistisen tyylin kanssa, mutta se voi herättää liian hillityn skandinaavisen sisustuksen tai käydä upeaa vuoropuhelua jalompien materiaalien, kuten tumman sametin, sävytetyn puun tai messingin kanssa. Kopiota valitessasi suosi korkealaatuista tarkkuuspainatusta, joka pystyy toistamaan öljymaalauksen rakeisen tekstuurin ja kultalehtien vaihtelevan kiillon – latteasta kopiosta häviäisi alkuperäisen koko optinen taika. Silmien korkeudelle ripustettuna siitä tulee voimakas katseenkiinnittäjä, joka kutsuu vieraita pysähtymään tulkitsemaan aikojen halki kantautuvaa katsetta.

Pour continuer la visite

Aiheeseen todella liittyvät lähteet, kokoelmat ja polut

Muutama hyödyllinen lähde tietojen tarkistamiseen, vapaasti käytettävissä olevien kuvien vertailuun ja lukemisen jatkamiseen – ilman että tarvitsee suunnata museoon, joka ei ole pyytänyt mitään.