Judith de Klimt : or, regard fatal et héroïne qui ne baisse pas les yeux

Contexte historique

Judith I : suora katse, kultaa ja Holofernes, jolla ei ole enää oikeasti sananvaltaa

Päätään korkealla luovan kiehumisen aikaan maalattu tämä Judith-versio eroaa jyrkästi perinteisistä esityksistä, joissa dramaattinen toiminta hallitsee kaikkea muuta. Klimt valitsee tiukan, miltei sopimattoman rajauksen, joka katkaisee sankarittaren vartalon lantioista ja sysää Assyrian kenraalin irtileikatun pään oikeaan alakulmaan, tuskin näkyväksi kiusalliseksi yksityiskohdaksi. Katsoja vangitaan välittömästi tähän puoliksi suljettusilmäiseen kasvoon, joka kelluu kullanlehtien valtameressä kultasepän tarkkuudella levitettynä, samalla kun vasen käsi silittää melkein hajamielisesti uhrin hiuksia. Tämä pystysuuntainen sommittelu pakottaa ahdistavan intiimin tunnelman ja muuttaa sotateon puhtaaksi esteettiseksi kokemukseksi, jossa väkivalta on estetisoitu häiritsevyyteen asti.

Kontrasti realistisesti muotoillun lihan ja abstraktin taustan välillä luo ainutlaatuisen visuaalisen jännitteen, joka haastaa aikakauden akateemiset konventiot. Kun kaulan lihakset ja paidan läpikuultavuus viittaavat konkreettiseen fyysiseen läsnäoloon, muu maalauksesta liukenee kullanväristen spiraalien ja suorakulmioiden syövereihin, jotka muistuttavat Ravennan mosaiikkeja samalla kun ne enteilevät art deco -tyyliä. Holoferneesta, josta erottuu vain kallon yläosa ja joitakin tummia hiussuortuvia, on kadonnut kaikki narratiivinen arvokkuus; hänestä on tullut pelkkä tekstuurinen lisäke, tumma kontrastipiste, joka korostaa Judithin ihon kalpeaa hehkua. Tämä tahallinen epätasapaino osoittaa selvästi, ettei aiheena ole murha vaan sen tehneen naisen magneettinen voima.

Style artistique

Judith ja Holofernes: ennen Klimtiä, jo valmiiksi levoton tarina

Klimtin inspiroima raamatullinen kertomus on peräisin Juditin kirjasta, apokryfikirjasta, joka kertoo kuinka juutalainen leski pelastaa kaupunkinsa Beetulian assyrialaisten piirittäessä sitä. Aseinaan vain kauneutensa ja rohkeutensa hän tunkeutuu kenraali Holoferneen telttaan, juottaa tämän humalaan yksityisillä pidoilla ja leikkaa sitten tämän kurkun tämän omalla sapelillaan tämän nukkuessa sikeästi. Tämä kertomus naisellisesta viekkaudesta, joka voittaa sotilaallisen raakalaisen, on kiehtonut taiteilijoita vuosisatojen ajan tarjoten poliittisen allegorian näennäisestä heikkoudesta tyrannimaista voimaa vastaan. Kuitenkin siellä missä Donatello veisti jalon ja hyveellisen Juditin tai missä Caravaggio osoitti teon fyysisen ponnistelun, Klimt ohittaa täysin tapahtuman isänmaallisen ja moraalisen ulottuvuuden keskittyäkseen aistilliseen jälkinäytökseen.

Klassisessa ikonografisessa perinteessä Judithin kanssa kuvataan usein hänen palvelijattarensa Abra, joka kuljettaa irti leikattua päätä säkissä – yksityiskohta, joka korostaa naisten välistä yhteenkuuluvuutta ja veriteon käytännöllistä puolta. Klimt jättää tämän sivuhenkilön kokonaan pois eristääkseen sankarittarensa täydelliseen yksinäisyyteen ja vahvistaakseen vaikutelmaa siitä, että Judith toimii yksin, sisäisen impulssin ohjaamana eikä kansalaisvelvollisuudesta käsin. Maantieteellisen ja ajallisen kontekstin poistaminen antaa taidemaalarille mahdollisuuden muuntaa historiallinen anekdootti ajattomaksi femme fatale -arkkityypiksi. Näin hän siirtää katsojan mielenkiinnon jumalallisesta oikeudesta murhaa tehneen naisen monisyiseen psykologiaan, joka vaikuttaa kokevan tekoaan kohtaan moniselitteistä, jopa eroottista tyydytystä.

Sécession viennoise

Wien 1900-luvun taitteessa: kun moraali yskii ja taide virnistää oudosti

Jotta ymmärtäisi tämän taulun kumouksellisen latauksen, on hengitettävä vuosisadan vaihteen Wienin ilmaa, pääkaupunkia, jossa Itävalta-Unkarin keisarikunta natisi liitoksistaan kaikkialla sortavien yhteiskunnallisten sopimusten painon alla. Wienin sesessio, jonka Klimt, Koloman Moser ja Josef Hoffmann perustivat vuonna 1897, pyrki nimenomaan katkaisemaan nämä kahleet yhdistämällä kuvataiteet koristetaiteisiin ja tutkimalla porvarillisen yhteiskunnan tabuja. Tässä Freudin tiedostamatonta ja seksuaalisuutta koskevien teorioiden käymistämässä älyllisessä ilmapiirissä Juditin hahmo muuttuu ihanteelliseksi väyläksi ilmaista miesten ahdistuksia naisten emansipaation ja tuhoavan halun edessä. Taulu ei ole naiivi juhlistus, vaan peili, joka ojennetaan yhteiskunnalle, joka kauhistuen huomaa, että kauneus voi kätkeä alleen pelottavan tahdon vallasta.

Aikakauden keskusteluissa vastakkain asettuivat usein konservatiivit, joita Wienin seksession teosten alastomuus ja moraalinen moniselitteisyys järkyttivät, sekä modernistit, jotka näkivät taiteessa keinon tutkia inhimillistä totuutta ilman kaunistelua. Tässä yhteydessä esitetty Judith I toimi tämän uuden vapauden visuaalisena manifestina: se kieltäytyi luokittelemasta naista enkeliksi tai demoniksi ja nosti hänet moninaiseksi luonnonvoimaksi. Tyyliteltyjen kukka-aiheiden ja toisiinsa kietoutuvien orgaanisten muotojen käyttö viittaa suoraan kansainväliseen jugendtyyliin, samalla kun siinä säilyy wieniläinen erityispiirre, jota leimaa geometrinen täsmällisyys. Teos ilmentää siksi täydellisesti aikakauden modernia henkeä: tyylikästä mutta radikaalia katkosta menneisyyteen, jossa estetiikka palvelee perinteisen moraalin perusteiden kyseenalaistamista.

Période dorée

Judithin kulta: ei ilmaista luksusta, vaan pikemminkin psykologinen valonheitin, jonka katseleminen on erittäin kallista

Kultalehden massiivinen käyttö Judith I -teoksessa ei ole pelkkä koristeellinen oikku tai yritys jäljitellä aineellista ylellisyyttä, vaan syvällisesti harkittu tekninen ja symbolinen valinta. Klimt ammentaa suoraan inspiraatiota bysanttilaisista mosaiikeista, joita hänellä oli mahdollisuus ihailla Italian-matkoillaan, erityisesti Ravennassa, missä kullalla oli tarkoitus henkistää kuvaa ja irrottaa sen aihe maallisesta todellisuudesta. Peittämällä taustan ja Judithin vaatteet tällä arvokkaalla materiaalilla taiteilija muuttaa mallinsa pyhäksi ikoniksi – mutta maalliseksi ikoniksi, joka pyhittää eroottisen voiman uskonnollisen pyhyyden sijaan. Valo ei enää tule ulkoisesta luonnollisesta lähteestä, vaan näyttää säteilevän itse taulun pinnasta luoden epätodellisen tunnelman, joka eristää sankarittaren hänen omaan kultaiseen maailmaansa.

Tämä metallinen pinta toimii myös psyykkisenä suojakilpenä estäen katsojaa tunkeutumasta liian helposti hahmon intiimiin sisäiseen maailmaan, samalla kun se vastustamattomasti vetää puoleensa katsetta. Mekkoa koristavat kuviot – ympyrät, spiraalit ja soikeat muodot – tuovat mieleen biologiset solut tai tyylitellyt silmät, vihjaten rikkaaseen ja salaperäiseen sisäiseen elämään. Toisin kuin renessanssiajan realistiset laskokset, jotka seuraavat painovoimaa, nämä koristeet leijuvat kehon ympärillä uhmaten fysiikan lakeja ja korostaen näin kohtauksen symbolista ulottuvuutta. Kulta nousee siten teoksen pääasialliseksi kieleksi, välittäen ajatusta sisäisestä rikkaudesta, piilevästä vaarasta ja taiteellisesta transsendenssista, joka ylittää pelkän kuvallisen esittämisen.

Art & détails

Tämä naama ei poserraa – se neuvottelee suoraan visuaalisen rohkeutesi kanssa

Judithin kasvot ovat epäilemättä yksi modernin taidehistorian häiritsevimmistä muotokuvista, pääasiassa siksi, että se kieltäytyy kaikesta tavanomaisesta vuorovaikutuksesta katsojan kanssa. Hänen silmänsä ovat sirrillään, melkein kiinni, aivan kuin hän nauttisi intiimistä muistosta tai voimakkaasta fyysisestä tuntemuksesta, samalla kun hänen raolleen oleva suunsa antaa aavistuksen lyhyestä henkäyksestä, nautinnon huokauksen ja pidätellyn ponnistuksen korinan välimaastossa. Tämä ilme ei pyydä sääliä eikä ihailua, se pakottaa läsnäolonsa tunnetuksi tavalla, joka saa olon epämukavaksi, sillä ei voi koskaan tietää varmuudella, hymyileekö hän tyytyväisenä vai onko hän transsin vallassa. Iho on maalattu maitomaisen pehmeästi, mikä on räikeässä ristiriidassa juuri suoritetun teon karkeuden kanssa, ja luo katsojalle vaikeasti ratkaistavan kognitiivisen dissonanssin.

Muodon pystysuuntaisuus korostaa tätä vallan vaikutelmaa, pakottaen katseen nousemaan solakkaa kaulaa pitkin siihen suvereenin ylimielisesti kohotettuun leukaan. Hänen kasvonpiirteissään ei näy jälkeäkään katumuksesta, eikä pään asennossa ole häivääkään epäröintiä, kun se on kallistettuna kevyesti sivulle kuin perverssi kutsu. Klimt vangitsee tässä juuri sen täsmällisen hetken, jolloin väkivalta muuttuu ekstaasiksi, hämärtäen rajan murhan ja rakkauden teon välillä. Tämä kasvot eivät kerro lineaarista tarinaa, vaan projisoivat raakaa tunnetilaa, joka pakottaa katsojan kohtaamaan omat fantasian ja pelkonsa kaikkivoipaa naiseutta kohtaan.

Art & détails

Judith vai Salomé? Jopa sivistyneet katsojat ovat toisinaan haksahtaneet kullatukseen.

Usein toistuva sekaannus Juudin ja Salomen välillä – Salomen, joka on toinen vuosisadan vaihteen mielikuvituksen suuri päiden katkaisija – ei ole sattumaa, vaan se johtuu Klimtin tarkoituksellisesti ylläpitämästä monitulkintaisuudesta. Salome, joka tuli kuuluisaksi pyydettyään Johannes Kastajan päätä seitsemän hunnun tanssinsa jälkeen, jakaa Juudin kanssa kauniin ja vaarallisen naisen motiivin, joka pitelee makaberia palkintoaan, mikä hämärtää perinteisiä ikonografisia kiinnekohtia. Monet aikakauden kriitikot, jotka olivat hämmentyneitä teoksen avoimen aistillisesta luonteesta, tunnistivatkin maalauksen Salomeksi, ohittaen täysin huolimattomasti tekstin "Judith und Holofernes", joka kuitenkin oli alkuperäisessä, taiteilijan piirtämässä kehyksessä. Tämä väärintunnistus paljastaa, kuinka taitavasti Klimt onnistui siirtämään aiheen moraaliselta alueelta puhtaan halun alueelle, jossa raamatullinen henkilöllisyys merkitsee vähemmän kuin femme fatale -arkkityyppi.

Pyyhkimällä pois ne erityispiirteet, jotka yleensä erottavat nämä kaksi sankaritarta toisistaan – kuten palvelustytön Judithin tapauksessa tai tarjottimen Salomen kohdalla – taiteilija luo hybridihahmon, joka tiivistää sisäänsä kaikki aikakauden miesten ahdistukset. Katkaistusta päästä tulee eroottisen lumouksen kohde pikemminkin kuin poliittisen tai uskonnollisen vapautuksen symboli. Tämä myyttien yhdistäminen saa teoksen resonoimaan symbolistien – kuten Gustave Moreaun ja Franz von Stuckin – kalleiden teemojen kanssa, sillä heille nainen oli usein petoeläin. Klimt ei pyri korjaamaan tätä tulkintaa, vaan antaa epävarmuuden säilyä vahvistaakseen kuvansa mysteeriä ja suggestiivista voimaa.

Art & détails

Adèle, Danaë, Hope: Klimtin teoksissa naiset eivät koristele seinää – he kannattavat sitä

JUDIT I -teos käy intensiivistä vuoropuhelua muiden Klimtin kultakaudellaan maalamien merkittävien naishahmojen kanssa muodostaen gallerian naisista, jotka hallitsevat kuvataiteellista tilaa pelkällä läsnäolollaan. Mieleen tulee välittömästi Adèle Bloch-Bauer I:n muotokuva, jossa tilaaja katoaa lähes koristeiden alle muuttuen itse bysanttilaiseksi epäjumalankuvaksi, tai Danaë, joka on kietoutunut kultaiseen liinaan, joka näyttää sekä kuluttavan että suojelevan häntä. Näissä jokaisessa teoksessa nainen ei ole passiivinen sisätilaa kaunistamaan tarkoitettu kohde, vaan aktiivinen voima, joka jäsentää sommittelua ja sanelee sen visuaalisen rytmin. Koristeelliset kuviot eivät palvele kehon piilottamista, vaan sen voiman ylistämistä – ne luovat visuaalisen haarniskan, joka suojaa niiden mysteeriä samalla viestien niiden mahdollisesta vaarallisuudesta.

Jopa tauluissa kuten L'Espoir I, jossa alaston raskaana oleva naista ympäröivät pääkallot ja aavemaiset hahmot, löydämme saman jännitteen elämän, kuoleman ja armottoman kauneuden välillä. Klimt käyttää järjestelmällisesti ornamenttia luodakseen autonomisen, ajasta riippumattoman tilan, jossa hänen sankarittarensa liikkuvat omien sääntöjensä mukaan. Judithin vertaaminen näihin muihin teoksiin osoittaa, että taiteilijalle koristelu on itsessään narratiivinen kieli, joka kykenee ilmaisemaan monimutkaisia käsitteitä kuten hedelmällisyyttä, kuolevaisuutta tai viettelyä turvautumatta kirjaimelliseen anekdoottiin. Nämä naiset pitävät seinää hallussaan ei fyysisen painonsa, vaan katseensa intensiteetin ja symbolisen ympäristönsä rikkauden ansiosta.

Décoration intérieure

Valitse Klimtin Judith – erittäin kaunis, mutta olohuoneesi täytyy hyväksyä hieman draamallista jännitettä.

Judith I -teoksen kopion yhdistäminen moderniin sisustukseen vaatii tiettyä rohkeutta, sillä tämä maalaus ei ole neutraali sisustuselementti, joka on tarkoitettu täyttämään tyhjä seinäpinta. Sen pystysuuntainen ja kapea muoto sopii erinomaisesti kulkuväylille, eteisiin tai kahden ikkunan välisiin kapeisiin seiniin, joissa se voi toimia valoa heijastavana pylväänä ja kiinnittää välittömästi katseen. Kullanväristen sävyjen valta vaatii huolellista valaistusta – ihanteellisesti lämmintä ja suunnattua valoa, joka saa metalliset yksityiskohdat kimaltelemaan luomatta häiritseviä heijastuksia, jotka peittäisivät kasvot. On erittäin tärkeää jättää riittävästi tyhjää tilaa teoksen ympärille, jotta se voi hengittää ja tuoda esiin hierarkisen läsnäolonsa ilman visuaalista ristiriitaa liian koristeellisten huonekalujen tai kilpailevien kuvioiden kanssa.

On myös hyväksyttävä, että tämä kuva tuo tilaan ripauksen dramaattista jännitettä rikkoen tämänhetkistä pyrkimystä absoluuttiseen seesteisyyteen sisustuksessa. Judith ei sovi yhteen kylmän minimalistisen tyylin kanssa, mutta se voi herättää liian hillityn skandinaavisen sisustuksen tai käydä upeaa vuoropuhelua jalojen materiaalien, kuten tumman sametin, sävytetyn puun tai messingin, kanssa. Reproduktiota valitessa kannattaa suosia korkealaatuista vedosta, joka pystyy toistamaan öljymaalauksen rakeisen tekstuurin ja kultalehtien vaihtelevan kiillon, sillä lattea kopio menettäisi alkuperäisen koko optisen lumovoimansa. Silmien korkeudelle ripustettuna siitä tulee tehokas katseenvangitsija, joka kutsuu vieraita pysähtymään ja tulkitsemaan tätä aikojen halki tarkkailevaa katsetta.

Pour continuer la visite

Lähteet, kokoelmat ja polut, jotka todella liittyvät aiheeseen

Joitakin hyödyllisiä lähteitä tietojen tarkistamiseen, vapaasti käytettävien kuvien vertailuun ja lukemisen jatkamiseen joutumatta museoon, joka ei ole pyytänyt mitään.